I den här artikeln ger vi dig all relevant information om Färgegenskaper, vi kommer att berätta om all betydelse som måleriet har haft i världshistorien, eftersom det har lämnat många spår och många berättelser, det är därför du när du observerar en värdefull målning måste tänka på måleriets olika egenskaper. den nuvarande artikeln som du kommer att gilla!
Färgegenskaper
Konsten att representera grafik genom att använda pigment blandade med olika syntetiska eller organiska bindemedel är vad vi känner som måleri. För att använda målarkonsten måste du ha mycket kunskap om färglära och bildkomposition. olika egenskaper hos färgen som ska användas.
För att kunna utföra konsten att måla och teckna måste målarpraktiken ständigt utföras och detta består i att ta vara på en viss yta som ett papper, en duk, en bit tyg, en bit av trä, en vägg som det ska målas i, med hjälp av en viss teknik för att få en sammansättning av bland annat färger, former, ritningar, texturer, vilket ger designen av ett konstverk som uppfyller vissa estetiska principer.
På så sätt kom arkitekten och teoretikern André Félibien med franskt ursprung på XNUMX-talet att i en av sina föreläsningar vid Franska akademin bekräfta den hierarki av genrer som finns i det klassiska måleriet, som är "Berättelsen, porträttet, landskapet, haven, blommorna och frukterna"
Inom de fria konsterna är måleriet ett av de äldsta konstnärliga uttrycken som finns av de sju som finns, inom konstläran och inom estetiken har måleriet ansetts vara den universella kategorin och inkluderar i sin tur alla konstnärliga alster gjorda på ytor . En av de kategorier som används i måleriets olika egenskaper är vilken typ av stöd som används eller vilket material som används och för närvarande stöden eller de olika digitala teknikerna.
Det är viktigt att notera att i måleriets historia dominerades det under en tid av religion eller religiös konst. Det finns många exempel på denna typ av målning, allt från verk som har målats med betoning på mytologiska och religiösa figurer, till scener som beskrivs i Bibeln, som taket i Sixtinska kapellet i Vatikanstaten, Rom. Till och med samma målade scener från Buddhas liv, såväl som olika målade bilder som ekar det orientaliska religiösa temat.
Definition av målning
För att definiera måleriet, och för att tala om målningens huvudsakliga egenskaper, kan man säga att det är en grafisk representation som använder en serie pigment i kombination med andra ämnen, vare sig de är organiska eller syntetiska, för att utföra ett konstnärligt uttryck. Men det är välkänt att konsten att måla är lite komplex, eftersom den kräver många målartekniker och metoder, liksom konstnärens teckning och visuella komposition och hur han använder sig av färglära.
Genom att använda dessa tekniker kan målaren använda freskmålningsmetoderna eller oljemålningsmetoden. Men målningen kan uppfylla olika tematiska kriterier, liksom historiemåleriets olika egenskaper eller de olika genrerna som nämnts ovan.
Du hittar också de olika målarstilarna som förhistoria och gotisk måleri och i alla måleriperioder som det hänvisas till. Men målningarna är konstverk, som Ernst Hans Josef Gombrich, den österrikiskt födda brittiske konsthistorikern, säger:
"Det är inget fel i att glädja oss själva med en landskapsmålning för att den påminner oss om vårt hem eller i ett porträtt för att den påminner oss om en vän, eftersom vi som män som vi är, när vi tittar på ett konstverk utsätts för minnet av en mängd saker som, på gott och ont, påverkar vår smak.
Gombrich, konsthistoria (2002)”
På samma sätt definierar Arnold Hauser, en konsthistoriker av ungerskt ursprung efter att ha studerat hela sitt liv mellan Tyskland och Italien begreppet målning med följande:
"Vi tolkar dem (målningarna) efter våra egna syften och ambitioner, vi överför en mening till dem, vars ursprung ligger i våra livsstilar och mentala vanor"
Den tyskfödde filosofen Ernst Bloch, i sin bok skriven 1918 med titeln Utopins anda, visar upp sin intelligens att försvara den icke-figurativa konsten, och gör ett förhållande till föreställningen om den utopiska människan, som har ett oupptäckt öde, men är omedvetet närvarande i människans djup och i sin bok kommer att bekräfta nästa:
"Om målningsuppgiften var att sätta oss själva inför ögonen på luften och det dyrbara rymden och allt annat, vore det bättre att gå direkt och fritt njuta av allt det där."
För andra historiker och särskilt Erwin Panofsky, undersökte de innehållet i flera målningar genom deras form och innehåll de representerade, de genomförde flera studier för att försöka förstå vad målningen representerar för samhället, sedan den betydelse som målningen hade för observatör och slutligen nämner målningens betydelse för kultur och religion.
måleriets historia
I den här artikeln, med titeln Egenskaper för målning, ska vi berätta lite om måleriets historia. Så att du har den nödvändiga kunskapen, eftersom när vi pratar om historia måste vi gå tillbaka till förhistoriens tid och nå den samtida tidsåldern, som inkluderar alla representationer som görs med de olika tekniker som används i måleri och konstnärlig teckning.
Allt detta sammanfaller med konsthistorien i det kulturella och historiska sammanhanget, när vi försöker analysera måleriets historia måste vi gå tillbaka till de målningar som gjordes som väggmålningar i de olika grottorna, som finns i Pyrenéerna som tillhöra länderna Spanien och Frankrike och en del av Medelhavskusten i vad som kallades Levantinsk konst.
Det finns andra målningar gjorda i andra delar av Europa som ligger lite lägre, som ligger i följande länder: Portugal, Italien, i den del av Östeuropa och i Nordafrika. Det finns andra mycket viktiga målningar i måleriets historia som grottmålningar och de är de äldsta som människan känner till.
I målningens historia är Chauvet-grottan belägen i Frankrike, enligt historiker genom undersökningar som utförts på nämnda grotta, är den mer än 32 tusen år gammal och ligger i Aurignacian och Gravettian-perioden. Utmärkande för målningen som gjordes i denna grotta var att konstnärerna använde ockra lera, röd järnoxid och svart är mangandioxid.
I andra grottor som också sticker ut för att ha olika målningar finns de av Altamira och Lascaux, i dessa målningar ritas noshörningar, mammutar, lejon, bufflar, hästar eller människor i jaktattityd med hänvisning till djur. Också bilderna som finns i papyri och i de olika väggarna i de egyptiska gravarna från 5 tusen år före Kristus, är scener av det dagliga livet för denna befolkning och även av deras mytologi och tro.
Det kommer också att symbolisera det samhällets egenskaper och egenskaper genom att använda storleken på figurerna som samhällets rangordning. Liksom i antikens Rom var det normalt att dekorera eller måla väggarna i hus och palats, för närvarande är den som är i bäst bevarandeläge den antika staden Pompeji och staden Herculaneum.
När de anlände till den paleokristna eran i katakomberna började de dekorera dem genom att måla scener från det nya testamentet och representera Jesus som den gode herdens gestalt, de målade figurerna med stora ögon och skapade en illusion av att de tittade på betraktaren. Denna stil blev mycket beundrad och fortsatte att göras i den bysantinska skolan i Konstantinopel.
Sedan utvecklas det romantiska måleriet mellan XNUMX- och XNUMX-talet, i de mest intressanta områdena i Europa som ligger i södra Frankrike och områdena i Katalonien, även om målningarna som gjordes var av olika religiösa teman gjorda i den högsta delen av kyrkan och på stora väggar så att människor kunde observera dem, en av de mest använda representationerna var den av pantokrator, som är bilden av Jesus från Nasaret och den av Jungfru Maria.
De började också göra målningar som visar helgonens liv. Inom det gotiska måleriet fanns det också religiös målning men som representerade teman av sekulärt ursprung, men det var av större andel i länderna Italien och Frankrike där den viktigaste figuren var målaren Giotto som arbetade som muralist och arkitekt av florentinskt ursprung.
Under renässansens tidevarv hade klassisk måleri en stor roll i att påverka samhällets framsteg, vid den tiden utvecklades ett linjärt perspektiv och människans anatomi studerades med hjälp av måleriet som stödpunkt, en av måleriets viktigaste egenskaper. var användningen av oljetekniken.
Vid den här tiden fanns det stora målare som var erkända för sin kunskap och de målartekniker de använde, bland de mest framstående var Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Sanzio och Titian. I målningens egenskaper sticker de ut i det arbete som Leonardo Da Vinci utförde vid tillverkningen Mona Lisa, som också kallas Mona Lisa, Jo, jag använder metoderna chiaroscuro och sfumato.
Arkitekten och skulptören Michelangelo gjorde ett av de viktigaste verken genom att måla taket i Sixtinska kapellet, känt som ett av renässansens stora verk, dessutom använde många konstnärer sig av symboliska teman, bland annat de från norra Europa. inkluderar bröderna Jan van Eyck och Hubert van Eyck. I Tyskland stack målaren och humanisten Dürer ut.
Medan den så kallade motreformationskyrkan eller reformen av den katolska kyrkan med vilken han ville motarbeta protestantismen, sökte använda sig av religiös konst och för att åstadkomma detta använde han sig av manéristernas konstgjorda konventioner, som dominerade konsten mellan kl. XNUMX- och XNUMX-talen, men vid denna tidpunkt kännetecknade målningen de använde sig av att förkasta reglerna och friheten för sammansättningen av former och färger, men Caravaggisternas nyhet användes.
Dessa använde sig av en radikal naturalism, där de använde kombinationen av fysisk observation för att detaljera allt som behövde lyftas fram och gjorde att målningen fick en teatralisk och dramatisk konstmedial med användning av chiaroscuro-tekniken. Jo, han använde sig av skugga och ljus, i denna konst sticker Caravaggio och Annibale Carracci ut, två målare som var samtida och mycket viktiga i barockkonstens bildkonformation.
En av de mest framstående egenskaperna hos barockmåleriet är dynamiken i kompositionerna gjorda av målarna Rubens Rembrandt och Velázquez. Under första delen av XNUMX-talet främjades den konstnärliga rokokorörelsen, som var festligare och gladare än barockkonst och var allmänt accepterad i länderna Frankrike och Tyskland.
Romantikens kulturrörelse som startade i början av XNUMX-talet uttryckte stämningar och stora intensiva känslor, men i Frankrike var den mest framstående målaren Delacroix, i USA var en enastående målare Thomas Cole, medan han var i Storbritannien United representerades av Constable och Turner och i Spanien fanns målaren Francisco de Goya.
I mitten av artonhundratalet uppfanns fotografiet och måleriet började förlora det historiska mål det hade fram till dess genom att tillhandahålla de mest realistiska bilderna, på den tiden gjorde impressionismens konstnärliga rörelse framträdande representerad av målaren av franskt ursprung vid namn Edouard Manet som var föregångaren till denna rörelse som gjorde det möjligt baserat på sina lösa penseldrag och förhållandet mellan färger han använde för att göra konstruktionen av en mer realistisk bild men utan att ägna mycket uppmärksamhet åt de mest specifika detaljerna.
På XNUMX-talet framträder målningens egenskaper mer på grund av mångfalden av bildströmningar, bland vilka vi har fauvism, som också kallas fauvism och är en bildrörelse som föddes i Frankrike och sedan spred sig till flera länder och var kännetecknas av att förkasta traditionella färger och använda sig av våldsamma eller mycket slående färger.
Den kulturella rörelsen som kallas expressionism föddes också men i Tyskland, men den återspeglades inom olika områden av konst som plastisk konst, arkitektur, litteratur, musik, film, teater, dans, fotografi, etc. Och det kännetecknades av att få känslor att kännas mer än att göra en trogen produkt av verkligheten.
På liknande sätt föddes kubismen som en konstnärlig rörelse mellan 1907 och 1924, skapad av Pablo Picasso och Georges Braque, och följdes av konstnärerna Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard och Guillaume. Apollinaire, var en rörelse som baserades på att göra målningar i form av små kuber. Att göra tredimensionella bilder blir tvådimensionella målningar.
Abstrakt målning ärvs från denna kulturella rörelse av kubismen, som är en form av abstrakt expressionism som utvecklades i New York mellan 1940- och 1950-talen.
Sedan dyker popkonsten upp i Storbritannien, en konstnärlig rörelse som är inspirerad av vardagslivets estetik och de konsumtionsvaror som användes på den tiden. Jo, det gjordes reklam för någon typ av dryck eller mat. Att vara dess främsta representant Andy Warhol.
Äntligen, på XNUMX-talet, dyker minimalismen upp, vilket är en trend där allt reduceras till det väsentliga eller för att bli av med överskottselementen och göra målningarnas egenskaper med användning av minsta möjliga estetiska resurser. Medan på XNUMX-talet skapades en idé om pluralism och idag används en stor variation av stilar och estetik.
Konstnärliga genrer som används i måleri
Bland de konstnärliga genrer som finns och kommer att klassificeras efter teman, som i sin tur har klassificerats genom måleriets historia som har påverkat den teknik, dimensioner, stil och uttryck som gör konstverket. Författare som Platon (427-347 f.Kr.), Aristoteles (384-322 f.Kr.) och Horace (65-8 f.Kr.) kom att bekräfta att konst är en mimesis.
"Ett koncept som används av dessa författare som alltså kallar imitation av naturen som konstens väsentliga syfte"
För detta koncept görs förtjänst i användningen av det didaktiska värde som det har och gör en bra representation, men det bör inte göra skillnader mellan det porträtt som gjorts av fantasin och det verkliga porträttet. Arkitekten Marco Vitruvio Polión i mitten av XNUMX-talet, som började inreda matsalarna där bilder med olika måltider observerades och i andra rum gjordes landskap och mytologiska scener.
Under renässansen hade arkitekten Leon Battista Alberti idén att höja graden av målarhantverkare till den liberala konstnären, till och med att det viktigaste jobbet som målaren har är historia, men att arkitekten använder sig av ordet historia. hänvisade till berättande målning som utför episka eller religiösa scener, för att sedan säga följande:
"Den som skildrar stora mäns stora gärningar värda att minnas skiljer sig från den som beskriver privata medborgares seder, från den som skildrar böndernas liv. Den första har en majestätisk karaktär, den bör reserveras för offentliga byggnader och bostäder för de stora, medan den andra kommer att vara lämplig för trädgårdar."
På XNUMX-talet gjorde oljemålningen sitt framträdande och samlandet, även om det faktum att göra stora berättande väggmålningar inte gick förlorat, gav också upphov till kommersiella målningar och olika mer lätthanterliga format. På så sätt började de olika bildgenrerna och varje konstnärs specialisering klassificeras.
I Italien fortsätter det historiska måleriet och de målare som befann sig i norra Italien gjorde porträtt, medan de målare som var i Nederländerna började göra genremålningar men i liten skala, måla verk av bondelivet, förutom stilleben och landskap.
På så sätt, år 1667, kom arkitekten och teoretikern vid namn André Félibien på ett visst sätt att rangordna det klassiska måleriets genrer, som är historia, porträtt, landskap, hav, blommor och frukter.
Genremålning: Även kallad genre scen, är denna målning baserad på de privata vanor människor i deras vardagliga och samtida scener av konstnären, är det också känt som costumbrista målning. De mest populära målningarna av denna genre gjordes i Nederländerna under början av XNUMX-talet.
Bland de mest framstående artisterna i denna genre är Pieter Brueghel den äldre och Vermeer. Även om det inte är säkert känt om de gjordes för att representera verkligheten eller i syfte att distrahera åskådarna från målningarna som ibland var väldigt komiska. Kanske hade de ett moraliserande syfte genom de olika exempel de gjorde av åskådarna.
Men det råder ingen tvekan om att man inom XNUMX-talets genremåleri hade hela den satiriska eller moraliserande avsikten med situationen i åtanke i de olika verk som målarna William Hogarth eller Jean-Baptiste Greuze gjorde, medan målaren Diego i Spanien Velázquez odlade genremålningen genom att utföra sitt verk den gamla kvinnan som steker ägg och Sevillas vattenbärare, på detta sätt målaren Francisco Goya.
Porträtt: I hierarkin av genrer som används i måleriet intar porträttet en viktig men tvetydig position eftersom man på ett sätt representerar människor i Guds likhet, och å andra sidan försöker de glorifiera personen för sin fåfänga och vad de har gjort historiskt. , eftersom de rika och mest inflytelserika människorna alltid har varit representerade.
Men med tiden anställde medelklassen målare för att porträttera alla människor som utgjorde familjen, idag finns det porträtt som görs mellan familjerna till de som styr, företag, föreningar och individer.
När målaren gör ett porträtt av sig själv kallas detta för ett självporträtt, en av de mest kända målarna i detta var Rembrandt som gjorde mer än sjuttio självporträtt. I allmänhet gör konstnären ett mer representativt självporträtt av honom, enligt Edward Burne-Jones som är en engelsk konstnär och designer som hävdar att:
"Det enda uttryck som kan tillåtas i stora porträtter är uttrycket av karaktär och moralisk kvalitet, inget tillfälligt, tillfälligt eller tillfälligt."
I oljetekniken som har använts av en av de bästa målarna i norra Europa på XNUMX-talet vid namn Jan Van Eyck, som var en av dem som främjade konsten att ta ett självporträtt, ett viktigt exempel på detta var när konstnären målade Arnolfini Marriage, i denna målning porträtteras målaren med sin gravida fru i hel kropp.
Under renässansen representerades det som en social status och som med mycket personlig framgång de personer som porträtterades, på detta sätt stod många konstnärer ut bland dem Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio och Durero. I Spanien sticker Zurbarán, Velázquez och Francisco de Goya.
Till dessa grupper läggs även de franska impressionisterna som också utövade denna genre, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc, och på XNUMX-talet Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon eller Andy Warhol.
Historisk målning: Ett annat kännetecken för måleriet är det historiska måleriet, som anses vara en stor genre inom religiösa, mytologiska, historiska, litterära och allegoriska målningar. I denna typ av målning demonstrerade de det personliga och intellektuella eller moraliska livet för den som målades. I ett av sina tal argumenterade Mr. Sir Joshua Reynolds, som kom för att ställa ut på Royal Academy of Arts mellan 1769 och 1790, följande:
”Konstens stora syfte är att väcka fantasin... Enligt sedvänjan kallar jag denna del av konsten för historiskt måleri, men det ska sägas poetisk. (...) Han måste ibland avvika från det vulgära och den strikta historiska sanningen i jakten på storhet för sitt verk”
Då var konstnären som hette Nicolás Poussin av franskt ursprung den första målaren som gjorde genren historiskt måleri i ett mindre format, men denna innovation var inte lika framgångsrik. Medan målaren Diego Velázquez år 1656 avslutade sitt verk med titeln Las Meninas där han beskriver Filip IV:s familj, i en stor målning där det symboliskt visas att det är ett porträtt av kungafamiljen inom genren historisk måleri. .
Efter detta och med tidens gång, avslutade målaren Pablo Picasso år 1937 sitt berömda verk med titeln Guernica, för att göra denna målning använde han en stor dimension i genren historisk måleri.
Landskap: På XNUMX-talet e.Kr. finns målningar med landskapsgenren eller temat i länderna i Kina och Japan, eftersom det i Europa förekommer landskap, men med betoning på berättarscener eller avhandlingar om farmaci och botanik.
Men det här ämnet börjar verkligen på XNUMX-talet e.Kr., när utseendet på samling och olika teman tillägnad landsmålningar börjar efterfrågas och målarna i norra Europa utses som specialister på området, på detta sätt. Detta sätt, genren av holländska landskap främjades på ett mer specifikt sätt. Att jag var fokuserad på att måla den låga horisonten och den molntyngda himlen.
Dessutom målades i denna genre typiska holländska väderkvarnar, boskap och olika fiskebåtar. I de venetianska landskapen i Italien, som målades av Giorgio Barbarelli da Castelfranco och hans lärjungar, gjordes dessa målningar med ett lyriskt utseende och har en vacker färgbehandling.
Denna typ av målning utvecklades under XNUMX-talet, men den kallades också vedutismo, eftersom det var en italiensk genre som utvecklades i Venedig där stadsvyerna över staden är representerade på samma sätt som den kartografiska stilen, eftersom bilder görs panoramabilder av stad.
Där beskrivs kanalerna, monumenten och de mest typiska platserna i Venedig, ibland målades de ensamma eller med mänskliga figurer, de viktigaste representanterna för denna genre var Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi och Luca Carlevarijs.
I Barbizonskolan, där platsen där landskapsmålarna finns har man kallat, eftersom dessa var de första karaktärerna som målade utomhus och gjorde en studie av hur man arbetar utomhus och grunden för denna genre är ljuset och dess många varianter speciellt påverkade impressionistiskt måleri.
Fortfarande liv: Det är en mer representativ genre av imitation av naturen och livlösa föremål, som finns representerade i vardagen som frukt, blommor, mat, köksredskap, serviser, böcker, smycken, etc. Men en av kännetecknen för målningen på denna genre är att den mindre litterära.
Början av stillebensgenren, inträffar i antiken där den användes för att dekorera de stora salarna för speciella evenemang, såsom de romerska fresker i Pompeji, författaren Plinius den äldre rapporterade att konstnärerna med grekiskt ursprung under de senaste århundradena var den skickligaste inom porträtt och stilleben.
Denna genre av målning var mycket viktig i västerländsk konst på XNUMX-talet e.Kr.. Ett viktigt exempel på denna genre är målningen med titeln Slakteri Tillverkad av den spanske målaren Joachim Beuckelaer. Under samma århundrade gjorde målarna Caravaggio och Annibale Carracci verk som representerade magnifika stilleben.
I det sjuttonde århundradet e.Kr. utvecklar C. i Nederländerna en typ av vingård som kallas fåfänga, Där började man ställa ut alla möjliga saker, som musikinstrument, glas, silver och porslin, samt smycken och symboler som böcker, dödskallar eller timglas, som fungerade som ett moraliserande budskap om sinnenas tillfälliga njutningar.
Medan den franska akademin kvalificerade denna plats med den sista platsen för bildhierarkin. Men ankomsten av den konstnärliga rörelsen av impressionism tillsammans med många kännetecken för målning, stilleben är återigen ett normalt tema bland målare och samhället, målningarna av Van Goghs solrosor är en av de mest utbredda målningarna av denna genre.
Kubistiska konstnärer började också komponera stilleben, bland vilka följande Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard och Juan Gris sticker ut.
nakna: i detta ämne är det en konstnärlig genre där representationen av människokroppen kommer att sticka ut och det är också ett av målningens egenskaper, i naken. Det anses vara en av de akademiska klassificeringarna av konstverk. Men vissa intellektuella tenderar att associera det med erotik.
Men nakengenren kommer alltid att ha olika tolkningar och många betydelser, eftersom från mytologi till religion och betoning av anatomiska studier eller som en representation av skönhet och det estetiska perfektionsidealet som gjordes i antikens Grekland. .
I det konstnärliga ämnet har studiet av den mänskliga kroppens perfektion och representation alltid varit en konstant i konsthistorien, från förhistorien med skulpturen av Venus av Willendorf till nutid. Ämnet nakenbilder blev mer representativt i antikens Grekland, där naken var tänkt som perfektion och absolut skönhet.
Detta koncept har hållit i klassicistisk konst och har nått i dag och är till stor del betingat av den uppfattning som det västerländska samhället har mot naken och konst. Under medeltiden nådde deras inverkan religion, eftersom de var baserade på religiösa teman och bibliska scener, vilket motiverade denna genre.
Under renässansen fanns det en ny kultur som kallades humanisten och den var mer antropocentrisk, och placerade människan som centrum för allt, och med denna nya doktrin återupplivade han återkomsten av nakengenren till konsten, men baserad på historiska och mytologiska teman.. Uthållig i religiösa frågor.
På XNUMX-talet e.Kr. började nakengenren förlora sin ikonografiska karaktär på grund av framväxten av impressionismens kulturella rörelse och skulle representeras av dess estetiska kvaliteter som en sensuell och erotisk bild, men helt refererande.
målningstekniker
För att förklara färgernas egenskaper måste vi basera oss på de mest använda teknikerna, eftersom hur pigmenten späds ut och sätts på ytan där de ska målas, för om pigmenten inte är lösliga i bindemedlet som används , de förblir utspridda i den. . Bland de viktigaste teknikerna vi har:
Olja: En av målningens egenskaper är användningen av olja, eftersom olika typer av oljor används för att fixera pigmentet och lösningsmedlet som kallas terpentin för att göra det klarare, eftersom det är en mycket flyktig vätska. Oljemålning görs i princip med pigment som pulveriserats torrt och sedan blandas med lämplig viskositet med den vegetabiliska oljan som ska användas, eftersom det finns oljor som torkar långsammare än andra och de gör det genom oxidation och inte genom avdunstning.
Med denna teknik bildas lager av pigment som är inbäddade i ytan och det är därför som torktiderna måste kontrolleras mycket noggrant så att färgen fixeras korrekt i varje färglager som appliceras på verket.konstnärligt.
Oxidationsprocessen ger konstverket en rikedom och djup till färgerna som används från det torra pigmentet som används, och konstnären kommer att kunna variera på de oljor som används samt lösningsmedlet så att kvaliteten på färgen kan visa ett intervall av färger och kvaliteter från ogenomskinlig till mycket transparent eller från matt till blank.
Av denna anledning och många fler, försöker konstnärer använda de bästa oljorna och det är det mest flexibla mediet som alltid använder det på det mest bekväma sättet, eftersom oljefärg knappast förändras under torkningsprocessen, men i det långa loppet börjar den vända gulaktig om den inte underhålls ordentligt för det utförda arbetet.
Även om oljemålning tål många på varandra följande lager som tillåter konstnären att förverkliga ett bildkoncept skapat i flera lager, till exempel kallade målaren Hilaire-Germain-Edgar de Gas denna process som det välskötta men den långsamma torktiden tillåter konstnärer att ta bort överflödig färg och gå över hela områden.
I tester som har utförts på olika målningar med röntgenstrålar har de låtit oss observera att de stora målarmästarna gjorde många förändringar under konstverkets process.
Vax: Med denna teknik som nästan alltid används varm, även kallad encaustic, vilket betyder gravering i eld, är det en teknik som används genom att använda vax som bindemedel för pigmenten, vid blandning med detta material har det mer täckande effekter sedan vaxet är tätare och krämigare.
Vaxmålningen appliceras med en spatel eller med en varm borste, efter att konstverket är färdigt ska det poleras genom att stryka med linnedukar på ett lager vax som redan är utspritt.
Att det i det här fallet inte kommer att fungera som en pärm utan för att skydda konstverket, kallas denna operation i kausticisering, och denna teknik beskrivs av Marco Vitruvio Polión som i livet var en arkitekt och målare som levde mellan åren 75 f.Kr. och 25 AD, som enligt vad som kom att bekräfta följande:
"Du måste sprida ett lager varmt vax på färgen och sedan polera den med torra linnedukar"
Vattenfärg: Det är en tavla som är gjord på papper eller kartong, men ett av kännetecknen för akvarellmålning är att den späds ut med vatten och färgerna blir mer transparenta eller ljusare beroende på mängden vatten som används. Dessutom slutar du se bakgrunden på pappret om det är vitt.
Denna typ av målning är sammansatt av agglutinerade pigment och gummi arabicum eller med honung, i denna procedur används målningen av flera transparenta lager för att uppnå största briljans och lätthet i kompositionen som är gjord för målningens design. .
För att använda denna teknik krävs att konstnären har stor säkerhet i de drag han gör och mycket spontanitet när han utför penseldragen, eftersom denna teknik har som sin huvudsakliga egenskap att måla sin transparens och färgernas fräschör. som används.
Det finns också den hyperrealistiska akvarellen som kommer att gå emot det tidigare postulatet och lacker används för att kunna ta bort de första lagren för att ge successiva glasyrer och med detta kommer en mycket specifik chiaroscuro att uppnås i konstverket men med liten genomskinlighet av den klassiska akvarelltekniken som används.
Tempera: även känd som gouache Det är en teknik som mycket liknar akvarell, men den skiljer sig eftersom den bär en mängd industriell talk som avsiktligt tillsätts så att pigmentet blir lite mer ogenomskinligt och inte genomskinligt i temperan, vilket gör det till en av de viktigaste egenskaperna hos temperamålning och det är därför det skiljer sig från akvarell.
På så sätt kan olika nyanser appliceras från de mörkaste till de ljusaste, och denna procedur i akvarell anses vara felaktig, tempera är ett mycket utmärkt medium för att applicera det på olika teckningar och för att kunna göra torra eller impastodrag.
På samma sätt som akvarell bör temperan agglutineras med gummi arabicum, men i dagsläget placeras många temperor i plast eftersom det är lättare att få tag på och billigare.
Med temperatekniken skapade François Boucher, en fransk målare, stora mästerverk och konstnärerna från XNUMX-talet e.Kr., med hjälp av tempera tillsammans med akvarell, kunde särskilja specifika områden inom konstverket som gjordes av akvarell. Det är därför den franske målaren Paul Signac, som var känd för att utföra den divisionistiska tekniken, bekräftade följande:
"Vissa lila rosa i Turners himmel, vissa gröna i Johan Jongkinds akvareller kunde inte ha uppnåtts utan lite gouache"
Akryl: användningen av akrylfärg som en teknik färgens egenskaper har uppskattats mycket av samtida konstnärer på grund av dess mycket snabba torkning, eftersom pigmenten innehåller en polymeremulsion som vanligtvis är vinyllim, även om de kan vara lätta att ta bort eller späd med vatten, efter torkning är de mycket resistenta mot vatten.
Det som sticker ut mest med denna teknik är dess lätthet och torkningshastighet, men när den torkar tenderar färgtonen att bara ändras lite, ibland blir den mörkare eller ljusare beroende på vilken färg som används. Akrylmålning är relativt nytt och har sitt ursprung på XNUMX-talet e.Kr.
Akryltekniken utvecklades i USA och Tyskland, men parallellt använde den amerikanskfödde målaren Jackson Pollock akrylfärg, eftersom den kommer i behållare, för att få nya texturer och göra dem tjockare. Medan målaren Morris Louis, också från samma land, använde akrylfärg, men spädde ut den med vatten för att måla stora dukar och ge den en färgad effekt istället för målad.
Paj: En teknik av stor betydelse vid målning är pastelltekniken, eftersom den består av att använda färgstaplar, där pigmenten finns i pulver blandat med gummi eller harts så att de kan agglutinera och bilda en torr och mycket kompakt pasta.
Det är därför som ordet pastell framhäver ordet pasta, eftersom det är pasta och de är modellerade i form av en pinne och som är ungefär ett finger tjocka och kan användas direkt på ytan där konstverket ska designas. utan att behöva använda penslar eller spatlar och inget lösningsmedel.
För att arbeta med pastelltekniken används ett papper av mycket god kvalitet som har en bra ytvikt som yta, som är vit eller en neutral färg som inte påverkar färgen, förutom att ha en liten strävhet, även om pastelltekniken är mycket flexibel och samtidigt mångsidig eftersom den kan användas på olika ytor som trä eller plast.
Även om färgerna som används kan vara mycket starka och ogenomskinliga, har det en svårighet som är vidhäftningen av pigmentet till ytan som ska målas, så i slutet för att ge en förbättring av det konstnärliga arbetet och ett ritfixativ appliceras med finfördelare ( spray), som är speciella för denna teknik.
Men generellt känner vi till pastelltekniken som kritor, dess mest använda resurs är linjen där en serie ramar kan bildas, ett annat sätt att använda det är att förvandla det till pulver, eftersom pastellen tenderar att släppa ut mycket färgat pulver.
Många av konstnärerna använder denna teknik att använda färgat pulver för att ge kreativitet åt sina konstverk, bland dem är Leonardo da Vinci som var en av de första konstnärerna att använda denna teknik i teckningen han gjorde till Isabel de Este och även andra som Hans Holbein den yngre, Correggio, Fragonard eller Degas.
Tempel: När man använder Tempera-målningstekniken används en lösning som bindemedel som är gjord med vatten och äggvitan och en speciell olja.Det första man ska göra är att blanda äggvitan med oljan tills det har en homogen pasta , efter det tillsätt vatten tills du har emulsionen eller mediet för temperatekniken.
Andelen som används är portionen av ett helt ägg plus detsamma i olja, plus tre delar vatten, men detta beror på vilken flythet som målaren vill uppnå, det finns många konstnärer som lägger till lite lack för att ersätta linfröet olja som används mest. När du utför denna procedur ger härdningstekniken större fasthet och bättre grepp, samt torkar snabbare.
Men efter torkning är finishen den ger mer ogenomtränglig i de nya glasyrerna.Det finns andra konstnärer som istället för att använda vatten använder skummjölk eller fikonträdslatex eller vax, men alltid kopplat till vatten.
Den italienske målaren och arkitekten Giorgio Vasari använde också ordet tempera för att kunna göra en lackolja, stora mästerverk har gjorts med användning av denna teknik, till exempel utmärker sig Sandro Botticelli när han gjorde Venus födelse, Som DV Thompson förklarade:
”En välgjord äggmålning är bland de mest hållbara former av målning människan har uppfunnit. Under smutsen och lacken är många medeltida äggtemperaverk lika fräscha och ljusa som när de målades. Normalt har temperamålningar förändrats mindre på femhundra år än oljemålningar på trettio”
Paint: i den här artikeln, om egenskaperna hos målning med användning av bläcktekniken eller även känd som kinesiskt bläck, är detta bläck i allmänhet flytande, även om det också kommer i en solid stång, men det måste malas och spädas ut för att använda det, det är används nästan alltid på papper och de mest använda färgerna är sepia och svart men numera finns det flera färger.
Kinesiskt bläck kan appliceras på olika sätt, men en av de vanligaste är användningen av en spets eller penna, som är mer praktiskt att göra en ritning eller lite kalligrafi, olika spetsar används för pennan och de är laddade med bläck. att göra linjer och med dem att kunna skriva eller rita men inte göra målningar.
Ett annat sätt eller resurs för att kunna använda kinesiskt bläck är med penseln, men det kommer att användas som akvarell och kallas gouache, vilket är att blanda kinesiskt bläck med vatten och alkohol och färgen som ska användas. Denna teknik liknar den gamla tekniken som användes i Japan där de gjorde sin japanska kalligrafi, som också var baserad på bläck och papper.
Ett annat sätt att använda det är att använda ritpennan, som är en bläckladdare eller den så kallade rapidographen, men denna teknik, tillsammans med grafit, är mer till för att rita än för att måla.
Häftigt: Tekniken är en målningsteknik som är modern, eftersom den bygger på den kemiska förändringen av markjordspigment som blandas med rent vatten, detta kan appliceras på ett bruk som har kalk och sand inuti, medan kalken finns i formen av kalciumhydroxid. Eftersom koldioxiden som finns i atmosfären kommer kalken att omvandlas till kalciumkarbonat.
På detta sätt kommer pigmentet att kristallisera i väggen. Teknikerna att måla med fresken är mycket enkla men det är mycket mödosamt och när man förbereder blandningen tar det lång tid. Denna teknik har egenskapen att måla är mycket hållbar över tid.
Men det tenderar att skadas på grund av fysiska, kemiska eller bakteriologiska orsaker, en av huvudorsakerna kommer att vara fuktigheten som kommer att ha som huvudskada förändringen av färgerna på grund av upplösningen av kalciumkarbonatet och arbetet tenderar att utveckla de kallar mögel.
Grisaille: en annan av de tekniker som används i måleriet, men den är baserad på en monokromatisk målning i vad de kallar chiaroscuro eller ljus och skugga, som deklarerats av målaren Giorgio Vasari av italienskt ursprung, färgen är gjord med en blandning av järnoxider och med en lite koppar och flussmedel tillsätts, detta ger en känsla av skulpturell relief i konstverken.
På XNUMX-talet e.Kr. användes denna teknik för de förberedande skisserna som skulptörer använder för att uppnå denna reliefeffekt genom att göra olika gravyrer i samma färg. Under Karl V av Frankrikes regeringstid användes grisailletekniken i målning av glasmålningar och miniatyrer.
Dess användning kommer att vara ett av de viktigaste kännetecknen för flamländsk målning eftersom på baksidan av stallet en representation av en Bebådelsen med grisailletekniken. Den spanska målaren Josep Maria Sert tillämpade denna teknik men istället för dess monokromatiska evolution.
Han använde den lutad mot den gyllene monokroma eftersom denna målare använde ett brett utbud av kromatiska färger där han använde sig av metaller som guld, silver, koppar, rostad jord, med inslag av karmin, och använde som bakgrund en rik preparat i metall, silver och bröd av guld.
Pointillism: Det är en av de tekniker som växte fram inom nyimpressionismen eftersom målaren Georges Seurat studerade och praktiserade den, men tekniken består av att placera små sfäriska prickar av rena färger, istället för att utföra penseldragstekniken på önskad yta.
Eftersom det finns fysiska relationer mellan de olika färgerna, finns det en växelverkan mellan primär- och komplementfärgerna, vilket ger en stor blandning av färger för betraktaren.
Denna blandning ses av betraktaren på ett visst avstånd från målningen och kan ge en stor effekt på betraktaren när de olika punkterna sammanfogas.
Droppande: Det är en teknik att göra en automatisk målning, för surrealisterna kan denna teknik uppnås genom att göra en avslappnad målning, det görs med droppar och stänk av olika färger, det är en teknik som också kallas den amerikanska actionmålningen (action painting) ).
Tekniken utförs när konstnären går på ytan som ska målas med stora penslar eller med samma kruka färg. Och det tappar färgdryppen som figuren gör, detta görs med en emalj som är fläckarna som finns kvar på stödet som konstnären använder.
Graffiti: Denna teknik används med färger som är förpackade och är mycket framträdande i färgens egenskaper. Det är därför man kallar det aerosoler och det används när konstnären trycker på knappen på den övre delen genom vilken färgen skjuter ut i form av en spray, med denna teknik går det att måla på stora ytor.
Normalt används denna teknik av människor som målar väggar och gator, denna typ av målning kallas graffiti. I slutet av 70-talet började urbana konstnärer göra sin graffiti på alla väggar de kunde få och med erfarenheten skapade de sanna konstverk.
Aerosolfärger tillverkas just nu för dessa konstnärer och vissa har redan egna mallar för att kunna avgränsa den yta de vill markera med sitt konstverk, självklart finns mallar av olika modeller och bokstäver redan på marknaden med vilka mindre erfarna artister kommer att kunna repetera.
Blandade tekniker: I förverkligandet av konstverk använder vissa konstnärer de olika egenskaperna hos målningen inom samma verk för att fånga betraktarens uppmärksamhet. En del konstnärer använder till exempel det som kallas collage, vilket kommer att vara en konstnärlig teknik som inte är bildlig eftersom den inte är målad, men det blir en blandad teknik när konstnären använder någon teknik som akvarell, tempera eller tusch.
Men i slutändan måste konstnären bestämma skillnaden mellan en bildprocedur och en bildteknik, eftersom man förstår att en bildprocedur är att förena flera element i samma verk. Medan konstnärens sätt att tillämpa det kommer att göra en bildteknik.
Material som används i målningarna
För att kunna ägna sig åt måleriet finns det en oändlighet av material som används av konstnärer genom skriftliga dokument och anteckningar riktade till olika konstnärer, och en annan källa är att genomföra en teknisk och vetenskaplig granskning av konstverket. Vissa av dessa prov är avsedda att förstärka de dokumentära bevisen för verken för att intyga om de är original eller inte.
Eftersom det måste vara viktigt att de material som för närvarande används av konstnären är olika och på XXI-talet kommer vi att göra dig en stor lista över material som kan användas för att göra ett konstverk. Vi har bland annat:
Stöder: Detta material har funktionen att stödja bakgrunden och de olika färgskikten som målaren använder, men man måste komma ihåg att det i målningens egenskaper finns väldigt olika modeller att välja mellan, de mest använda är de som är gjorda av papper , kartongen, träet, duken och stadens väggar. Men du kan också lägga till metall, glas, plast och läder bland mycket mer.
Men alla stöd kommer att behöva en speciell primer som ska förbereda en yta så att målaren kan göra sitt konstverk och alla har en annan procedur för materialet som ska användas.
Bräda: Det är ett av de mest använda stöden sedan målningens början, när det var under den egyptiska eran använde konstnärerna redan träskivan som sarkofager, och på medeltiden användes altartavlor för att tillverka altare och deras primer var mycket lätt eftersom de lägg bara ett enda lager lim på den.
Och om träet måste förgyllas, använd grundfärgen med bladguld, vilket är karakteristiskt för färg, men innan du lägger bladguldet på det, bör en annan grundfärg göras med ett lager lim och ytterligare ett lager gips eller leror för att ge en starkare touch till träskivan.
På XNUMX-talet e.Kr. började det europeiska staffliet användas som det huvudsakliga stödet, eftersom det massiva träet som användes förr var täckt med remsor av linnetyg limmade så att de inte kunde ses vara ihop. Träet måste vara i gott skick och undvika eventuella sprickor som de kan ha.
Sedan började den användas i plywood och spånskiva som träskiva. Träskivorna började prefabriceras och bjöd på en stor egenskap av målning, de kunde vara släta och fogarna kunde inte ses, som den så kallade skivan. tablex, att den var väldigt lätt och lätt att hantera, dessutom kunde konstnären alltid bära den med sig och den hade två sidor, den släta och den grova och brädorna är mycket viktiga för målningens egenskaper.
Duken: Enligt författaren och soldaten Plinius den äldre fick den romerske kejsaren Nero veta att han lät måla ett porträtt av honom på en duk som mätte 36,5 meter lång och 12 meter bred, filosofen Herakleitos i sitt manuskript med titeln Från Coloribus et Artibus Romanorum från XNUMX-talet f.Kr. beskrev han hur en linneduk skulle förberedas för att dekorera och måla den.
Han skrev också exakt hur man sträcker det och hur man förbereder tyget med limet så att det skulle passa utmärkt som pergament. Färgen som placerades på duken började användas i norra Europa och senare i Italien på grund av dess stora lätthet och de många sätten att använda den.
På XNUMX-talet e.Kr. började den användas mycket flitigt på kulisserna och i början av XNUMX-talet e.Kr. började den tillverkas i serier. De dukar som användes mest var de gjorda av vegetabiliska fibrer som hampa, linne, finvävd jute eller bomull, vilket också är ett av målningens egenskaper.
Alla dessa dukar gjordes med grova eller fina korn, beroende på vilket resultat konstnären ville få i det arbete han ville göra, finns det även dokumentation som säger att de använde polyesterduk.
I dagsläget går alla dukarna att köpa i det antal meter som konstnären önskar och kan monteras på den ram han önskar, eftersom det finns olika modeller, typer och format på marknaden. Men visst finns det en internationell numrering för ramens bredd- och längdmått, beroende på egenskaperna hos den tavla som ska målas på duken.
I dagsläget har tre olika format gjorts för att var och en ska ha egenskaperna hos den målning som konstnären önskar utföra, såsom figuren, landskapet och det marina. På ena sidan har den alltid samma storlek och på den andra kommer den att minska, kvar som följer:
- Den i figuren kommer att mäta 100 cm gånger 81 cm
- Landskapsmåtten är 100 cm gånger 73 cm.
- Den marinblå kommer att ha följande mått: 100 cm x 64 cm.
Det är de överenskommelser som har träffats internationellt, men att känna konstnärerna styrs de inte av dessa åtgärder och de utför sina konstverk med de mått som de anser att deras verk borde vara, i de flesta av de dukar som finns på marknaden till salu förbereder de dem med linolja och porfyllmedel.
Men det finns också de som framställs baserat på emulsioner som är mest lämpade för användning med oljefärg, eller med akrylfärg, på så sätt förenklas grundningen av dukarna för de olika egenskaperna hos färgen som ska användas konstnären och på så sätt få det förväntade resultatet med bästa kvalitet.
Koppar: Ett av de viktigaste materialen i användningen av målningens egenskaper är koppar, eftersom den har använts sedan XNUMX-talet e.Kr.. Den användes i mycket tunna ark av målare som befann sig norr om den europeiska kontinenten. Tyskfödde konstnären Adam Elsheimer. Jag fick använda dem men i liten storlek och detta fick forskarna att tro att de gamla gravyrerna använde dem på ett sätt för att återvinna dem.
Glas: ett annat medium som användes flitigt av olika konstnärer för att måla var glas, otaliga föremål tillverkades också såsom burkar, glas, behållare, fyrkanter, trianglar bland många andra där konstnären gjorde sin emalj och när han väl dekorerade dem kallt, introducerades i en värme ugn med en temperatur lägre än smältpunkten för glas gör stora och vackra konstverk.
På XNUMX-talet e.Kr. började de användas som stöd för glasmålningar, eftersom det är ett mycket viktigt stöd för målningens särdrag i de olika kyrkorna och de stora katedralerna, stora färgade kristaller började placeras där och de målning på glas med religiösa bilder och många scener hämtade från bibeln.
Genom användningen av grisailletekniken, ett av målningens kännetecken, uppnådde man att den på ena sidan var i en färg och på den andra var den dekorerad med något religiöst konstnärligt verk som betonade ett helgon eller en scen ur Bibeln. Många ansikten av helgonen gjordes också.
Papper: Enligt de uppgifter som forskarna har och de fynd som har hittats kom papperet som användes för att tillverka konstverken från Kina, omkring år 200 f.Kr., och uppfinnaren av detta material är kineser. Kallas Cai Lun mellan åren 50 a, C. och i 121 d, C.
Som tjänstgjorde som kejserlig eunuck, eftersom han förbättrade pappersformeln och gjorde den till ett bättre alternativ än papyrus och pergament. Att de på den tiden var de mest använda alternativen för att skriva och för att göra målarkonstens karaktäristiska konstverk.
Eftersom denna karaktär lade till stärkelse som hade den egenheten att skydda vegetabiliska fibrer, har papper varit ett material som används mycket väl av konstnärer eftersom det används i många målningstekniker och de vanligaste var akvarell, tempera, pastell och kinesiskt bläck och dess olika färger men den mest använda är svart och sepia.
När det gäller papper finns det en stor mångfald av texturer, vikter och färger, som är en av målningens viktigaste egenskaper, och för att välja en typ av papper är det nödvändigt för konstnären att ha en uppfattning om vad han vill ha att göra bland papperstyperna. hitta:
- Hot-Press-papper: Har en hård, slät yta, många konstnärer tycker att det är för halt för akvarellmålning.
- Kallpressat papper: det är strukturerat, halvgrovt, lämpligt för breda och smidiga tvättar.
- Grovt papper: Med en kornig yta, när en tvätt appliceras, erhålls en fläckig effekt från håligheterna i papperet.
Varje konstnär måste också ta hänsyn till papprets vikt för att kunna välja det, eftersom ett mycket tungt papper inte kan korrugeras så lätt och det måste sträckas och för att tillämpa akvarelltekniken måste papprets ytvikt vara mellan 120 gram i kvadrat och med en auktion på 850 gram i kvadrat.
Borstar: De är mycket väsentliga verktyg eller instrument för konstnären, de är också mycket viktiga för måleriets egenskaper, eftersom målaren använder dem på olika sätt i sitt arbete för att utföra det konstnärliga arbetet.
Borstar, som är ett mycket användbart verktyg för konstnärer, är designade i olika storlekar, bredder och av den kvalitet som behövs, eftersom materialen som borstarna tillverkas med kan vara organiska eller syntetiska.
Borsten är uppbyggd i tre delar och de är håret, hylsan eller altfiolen och magikern för att kunna hålla den, de utmärks mer av håret och sättet de är gjorda på, en del kallas platt- eller katttungaborstar . Borstarna görs också oftast med hårt hår och de som är runda går nästan alltid med rakt hår.
Penslarna väljs ut av de olika konstnärerna efter det arbete de tänker göra och hur de ska använda färgen de har. Om konstnären ska använda stora ytor för att utföra arbetet kommer han att använda penslar istället för penslar.
I penslarna har de nästan alltid en tom insida för att kunna samla mer färg i ögonblicket för slaget, de mindre penslarna har inte den centrala tomheten, det finns också penslar som har borst och det finns penslar som också har det och dessa är alltid vanligtvis naturliga av organiskt ursprung och kommer från olika djur som hästar, mård och grisar bland många andra.
Comma paint funktioner är också gjorda av konstgjorda manar ett syntetiskt material. Skötseln av borstarna är mycket viktig för att kunna förlänga deras livslängd, de måste rengöras efter användning utöver kontinuerlig rengöring, rengöring är extremt enkelt då du bara behöver lägga tvål och vatten på dem.
Efter att ha tvättat dem kan de torkas med fukt eller med en flanell, sedan ska de förvaras i horisontellt läge utan att pressa håret så att det inte deformeras. En annan användning som ges till penslarna är som medel för att kunna trycka tavlor med rullen som är gjorda av olika storlekar och material.
Bland materialen finns ull, skum eller fibergummi, naturliga eller konstgjorda svampar och sist men inte minst är paletter, knivar och spatlar som ytterligare ett alternativ i målningens egenskaper eftersom de är verktyg gjorda av en extremt lätt och flexibel metallplåt eller plast som kan användas på olika sätt och färger kan sättas ihop och målas av de mest erfarna konstnärerna.
Pengar: I de olika stöden som finns vänjer sig konstnärer vid att modifiera bakgrunderna innan de påbörjar konstverket, det är en egenskap som har måleriets egenskaper. En grundbehandling utförs eftersom bakgrunden är den yta som konstnären målar med den färg och struktur som han önskar för att påbörja sitt konstverk där.
Förut gjordes bakgrunderna med en ekologisk olja eller lim och sedan blandades det med vitt eller med en färgad ton som konstnären som skulle göra jobbet gillade. Även om det vidhäftningsmedlet var svansar av olika djur och fiskar.
Man använder också emulsioner baserade på ägg, olja eller harts.För att ge det färg användes tidigare kalk och pimpsten samt ockrajord. Det beror på vilket material som användes, detta definierade hur den visuella effekten av konstverket skulle se ut. Även bakgrundsfärgen som användes som stöd gav den en annan nyans.
Av denna anledning letade konstnärer efter en vit bakgrund för att återspegla de olika färgskikten de använde, men om bakgrundsfärgen var mörk, tenderade den att sänka färgens nyans, vilket gjorde den mörkare.
Den italienskfödde arkitekten Giorgio Vasari konstaterade till och med att de oljiga bakgrunderna hade fördelen att de bevarade flexibiliteten hos dukarna, som gjordes i stora dimensioner och kunde rullas ihop för att flyttas till olika platser.
Men nackdelen de hade var att det behövdes längre torktid. Mellan XNUMX- och XNUMX-talen var de bakgrunder som användes mest de som var målade med rödaktig jord, med detta kunde vissa utrymmen lämnas omålade men verket fick total enhetlighet. I dagsläget görs de fonder som bereds i kommersiella företag industriellt med vitt bly och läsk.
Pigment: pigmenten som är en mycket grundläggande egenskap hos målning tenderar att delas in i oorganiska och detta i sin tur härrör från mineraler, jord, salter och oxider och med dessa uppnås färgerna ockra och sienna. Organiska pigment används också som härrör från växter och vissa djur som erhålls genom att koka vissa frön eller för att vissa delar av djuren är brända.
Det finns andra som erhålls genom syntetisk väg, såsom aniliner och även organiska föreningar. Organiska pigment är i allmänhet mindre osäkra än oorganiska pigment. Pigmentet som används tillsammans med bindemedlen bildar det vi kallar färg och bindemedlet är det som gör att pigmentet är flytande och på så sätt uppnå vidhäftning av färgytan mot bakgrunden.
Även om det ibland kan bli vattnigt och kan också vara fet, det beror helt på hur det framställs, lösningsmedlet är en viktig faktor för färgens egenskaper eftersom det har till uppgift att späda ut eller lösa upp den typ av bindemedel som används för att göra den pjäsen.
En lösningsmedelsvätska som kallas terpentin används också, det är ett mycket flyktigt och färglöst lösningsmedel som blandas och späds ut med oljan och med hartset tenderar det att lösas upp, på samma sätt som det gör med vatten eftersom det också löser sig, i samma sätt den används med gummi som också löser sig och kan späda ut färgens egenskaper ytterligare på detta sätt.
Du måste vara medveten om opacitetsindexen för färgen som ska användas, eftersom du med åren bättre kan fånga bakgrunden till målningen och konstnärens ånger under utförandet av konstverket.
På målningar som gjordes före XNUMX-talet kan partiklarna av de använda pigmenten observeras i mikroskop och det ledde till slutsatsen att ju grövre pigmentkorn desto lägre kvalitet på färgen.
På artonhundratalet började forskare syntetisera färgämnen som användes som pigment, bland dem var koboltblått, zinkgult och kromoxid som de mest använda av konstnärer. Och nuförtiden har antalet pigment växt väldigt snabbt, det finns en stor variation av färger och alla pigment har en utmärkt kvalitet.
Om du har funnit den här artikeln om färgens egenskaper viktig, inbjuder jag dig att besöka följande länkar: